Eigenständige Stimmen

Zafraan ist ein in Berlin ansässiges Ensemble, das 2009 gegründet wurde und für sein dynamisches Engagement mit dem zeitgenössischen Leben und gesellschaftlichen Themen bekannt ist – durch Musik, die häufig in Austausch mit anderen Kunstformen wie Theater, Performance und Installation tritt.

Das Ensemble besteht aus Musikern mit vielfältigem internationalen Hintergrund und arbeitet mit renommierten Dirigenten, Künstlern und Komponisten zusammen, um dramaturgisch durchdachte Programme, inszenierte Konzerte und immersive Formate zu präsentieren.

Ein zentraler Aspekt ihrer Arbeit ist das ständige Ausloten und Erweitern künstlerischer Grenzen – sie gehen kreative Risiken ein, um innovative Aufführungen zu entwickeln, und engagieren sich aktiv in Produktionen des Musiktheaters sowie in Bildungsinitiativen für junge Musiker und Komponisten.

GRAMMY®-nominierter qazaqisch-amerikanischer Performer TIMUR, „der extravagant grenzüberschreitende Tenor“ (LA Times), trat als Solist u. a. mit der Los Angeles Philharmonic, Bang on a Can All-Stars, dem Theater Magdeburg, der Opera Philadelphia, dem Tschechischen Nationaltheater, der Comédie de Genève, PROTOTYPE, der Accademia Nazionale di Santa Cecilia, Müpa Budapest, NOF und The Industry LA auf. Er brachte über vierzig Opern- und Kammermusikwerke zahlreicher Komponist*innen zur Uraufführung, darunter David Lang, Gerald Barry, Thomas Adès, Louis Andriessen, Michael Gordon, Silvano Bussotti, Ellen Reid, David T. Little, Anne LeBaron, der verstorbene Peter Eötvös, Jǐri Trtik, Vera Ivanova, Tobias Picker, Kate Moore und Tod Machover. Mit seiner Glam-Opern-Band Timur and the Dime Museum – „ein Wunder goldener Schattierungen“ (NY Times) – arbeitet er eng mit Beth Morrison Projects zusammen. Gemeinsam entwickelten sie u. a. das ökologische Requiem Collapse (REDCAT, Operadagen Rotterdam, BAM Next Wave Festival 2015), den Industrial-Metal-Opernfilm Black Lodge (Opera Philadelphia, CAP UCLA, Folkopera, Malmö Opera, PROTOTYPE) sowie Timurs Solo-Projekte The Great Soviet Bucket (Miami Light Project) und die Sci-Fi-Komödie Klaus from Space (O. Festival Rotterdam, Klanggg_Festival Schweiz, Theater Magdeburg). Aktuell arbeitet er an einem neuen Musikprojekt von Nick Urata (DeVotchka), unter der Regie seines langjährigen künstlerischen Weggefährten Julien Chavaz. Seine Stimme ist u. a. auf dem Hollywood-Soundtrack von Ruby Sparks sowie in der Hulu-Serie The Great zu hören und erscheint auf Aufnahmen bei Cantaloupe, Naxos USA, Milan Records, Nonesuch, Deutsche Grammophon und ANTI-.

Samir Odeh-Tamimi ist ein palästinensisch-israelischer Komponist mit Wohnsitz in Berlin. Er hat eine einzigartige musikalische Sprache entwickelt, die auf seiner tiefgehenden Auseinandersetzung sowohl mit der westlichen Avantgarde als auch mit der Aufführungspraxis arabischer Musik basiert. Seine fortlaufende Beschäftigung mit der Geschichte des Alten Orients und des antiken Griechenlands ist zu einer zunehmend wichtigen Inspirationsquelle in seinem Schaffen geworden.

Die Kompositionen von Odeh-Tamimi werden regelmäßig bei renommierten Festivals und in führenden Konzertsälen in ganz Europa aufgeführt und haben ihm zahlreiche Auszeichnungen und Ehrungen eingebracht. Seine Musik wurde unter anderem von Ensembles und Interpret*innen wie Trio Viaggio, Ensemble Phoenix (Basel), Ensemble Resonanz, Ensemble Musikfabrik, Ensemble Modern, ensemble mosaik, Ensemble Aventure, Ensemble Linea (Straßburg), Ensemble UnitedBerlin und den Neuen Vocalsolisten Stuttgart interpretiert.

Sein Oratorium „Hinter der Mauer“ wurde vom RIAS Kammerchor in Auftrag gegeben, um an den 20. Jahrestag der deutschen Wiedervereinigung zu erinnern.

Zu den jüngsten Höhepunkten zählt das Musiktheaterstück „Philoktet“, das 2023 beim ECLAT Festival uraufgeführt wurde. Komponiert für die Neuen Vocalsolisten und das Zafraan Ensemble, ist das Werk inspiriert von der Tragödie des Sophokles sowie von Texten von André Gide und Heiner Müller. Für die Biennale di Venezia wurde er zudem mit dem Sextett „Roaïkron“ für die Christian Benning Percussion Group für die Ausgabe 2024 beauftragt.

Leonid Desyatnikov ist ein bedeutender Komponist, dessen Werk Oper, Ballett, Filmmusik und Konzertmusik umfasst. Bekannt für seinen unverwechselbaren, genreübergreifenden Stil, verwendet Desyatnikov häufig Zentonisierung – das Verweben musikalischer Zitate – als zentrales kompositorisches Mittel.

Seine Musik wurde in renommierten Häusern wie der Mailänder Scala, dem Bolschoi-Theater und dem Mariinski-Theater aufgeführt. Er arbeitet seit vielen Jahren eng mit dem renommierten Violinisten und Dirigenten Gidon Kremer zusammen und hat zahlreiche Bühnenwerke für das Alexandrinski-Theater in St. Petersburg komponiert.

Zu seinen Hauptwerken zählen die Oper „The Children of Rosenthal“ (Libretto: Vladimir Sorokin), die Ballette „Lost Illusions“ und „Opera“, die Kammeroper „Poor Liza“ (nach Nikolai Karamsin), die Kantate „Gift“ (nach Gedichten von Gawriil Derzhawin), der Vokalzyklus „Dichterliebe und -leben“ (nach Gedichten von Daniil Charms und Nikolai Olejnikow), „The Leaden Echo“ für Stimme(n) und Instrumente (nach einem Gedicht von Gerard Manley Hopkins), die Chor-Sinfonie „The Rite of Winter 1949“ sowie „Songs of Bukovina“ für Klavier.

Von 2009 bis 2010 war Desyatnikov Musikdirektor des Bolschoi-Theaters in Moskau.

Im März 2022 verließ er Russland und lebt derzeit in Haifa, Israel.

Sivan Cohen Elias ist eine elektroakustische Komponistin, Performerin und Improvisatorin. Ihre Arbeit ist interdisziplinär und verbindet modifizierte und digital erweiterte Musikinstrumente, Klangobjekte, Körpergesten und Video, wobei sie soziale Themen wie Scheitern, Verstrickung und Illusion erforscht.

Sivan Cohen Elias erhielt ihren B.Ed.Mus und MMus an der Jerusalem Academy of Music bzw. an der Universität Tel Aviv, absolvierte postgraduale Studien an der School of Music and Performance Arts in Wien und promovierte an der Harvard University. Derzeit ist sie ACF McKnight Composer Fellow 2024 beim American Composers Forum.

Ihr Schaffen erstreckt sich über die USA, Europa, Israel und das Vereinigte Königreich. Sie erhielt zahlreiche internationale Auszeichnungen, darunter ein Kompositionsstipendium der Fromm Foundation (2020), den ersten Preis beim Internationalen Wettbewerb für Musiktheaterkomposition des Staatstheaters Darmstadt (2016), ein Stipendium der Akademie Schloss Solitude (2012) sowie Anerkennung beim Impuls Wettbewerb (2011).

Ihre Musik wurde international von Ensembles und Solist:innen wie Klangforum Wien, Winnie Huang, dem Talea Ensemble, Musikfabrik, dem JACK Quartet und Line Upon Line Percussion aufgeführt. Sie war bei Festivals wie dem RealTime Festival, den Darmstädter Ferienkursen, Bludenz, Bang on a Can, Wien Modern, Resonant Bodies und Ultraschall vertreten.

Michaela Catranis ist eine preisgekrönte Komponistin, Pianistin und interdisziplinäre Künstlerin. Mit einem starken Hintergrund in klassischem Klavierspiel haben ihre eklektischen Interessen sie dazu geführt, experimentelle Musik, Elektronik, Jazz und darüber hinaus zu erforschen, wodurch sie eine äußerst vielseitige Klangsprache entwickelt hat. Ihre multimedialen Performances, in denen sich Musik, Kunst, Technologie und Tanz auf farbenfrohe Weise durchdringen, wurden international gefeiert. Dieser Prozess des kollektiven Kunstschaffens steht im Zentrum von Michaelas Arbeit – ein Echo unserer gemeinsamen Menschlichkeit, ein tiefes Bedürfnis nach Verbundenheit, das aus ihrer Erfahrung stammt, in einer Familie mit elf Mitgliedern aufzuwachsen.

Im Jahr 2018 gewann sie den TONALi18 Kompositionspreis. Im darauffolgenden Jahr erhielt sie das Stipendium der Contemporary Arts Alliance-Berlin, wurde von Ensemble Modern im Rahmen des Composer's Seminar/Cresc. Biennale für Neue Musik beauftragt und als Komponistin der Académie Voix Nouvelles in Royaumont ausgezeichnet. Ihre Werke wurden international in Konzertsälen wie der Elbphilharmonie Hamburg, der Berliner Philharmonie, der Wigmore Hall und dem KKL Luzern aufgeführt. Sie hat u. a. für das Mivos Quartet, das Zafraan Ensemble, RIOT, Ensemble Modern und KNM komponiert und arbeitet eng mit der Sopranistin Johanna Vargas und dem Berliner Duo Amabile zusammen. Michaela hat Abschlüsse in Klavier (Peabody Conservatory) und Komposition (Hochschule für Musik Hanns Eisler).

Oleg Krokhalev arbeitet an der Schnittstelle von Musik, Performance und Technologie. Sein Schaffen umfasst akustische und elektronische Kompositionen, selbstgebaute robotische Instrumente und Klanginstallationen – in denen er Klang als taktiles und räumliches Erlebnis erforscht – ebenso wie Musik für Film und Theater.

Geboren in Perm, Russland, studierte Oleg Komposition bei Prof. Vladimir Tarnopolski am Tschaikowski-Konservatorium in Moskau und absolvierte anschließend seinen Masterstudiengang bei Prof. José-María Sánchez-Verdú an der Robert Schumann Hochschule Düsseldorf. Seine Werke wurden unter anderem vom Ensemble Neue Vocalsolisten Stuttgart, Zohn Collective, Ensemble Garage, MCME und dem Russischen Nationalen Jugendsinfonieorchester aufgeführt. Zu seinen jüngsten Höhepunkten zählen zwei Opern: „Notes from the Underground“ (Theatre of Nations, Moskau, 2021) und „Transient“ (nach Calvinos „Die unsichtbaren Städte“, Düsseldorf, 2023).

Mansoor Hosseini ist ein schwedischer Avantgarde-Komponist. Geboren im Iran, studierte er Komposition am Pariser Konservatorium, am Königlichen Konservatorium in Brüssel und am Musikhochschule Göteborg. Außerdem absolvierte er ein Studium der Filmmusik an der Universität Göteborg sowie ein Drehbuchstudium an der Filmhochschule Göteborg. Seine musiktheatralischen Werke sind von Kampfkünsten, Bildender Kunst, zeitgenössischem Tanz und Theater inspiriert. Im Jahr 2007 gründete er das Themus Ensemble mit dem Ziel, das Konzept des Musiktheaters einem breiteren Publikum zugänglich zu machen.

Als Musiker widmet sich Hosseini intensiv der Improvisation und trat als Perkussionist mit verschiedenen Ensembles unterschiedlicher musikalischer Ausrichtungen auf.

Derzeit arbeitet er an einem Spielfilm über Witold Lutosławski in Zusammenarbeit mit der Sinfonia Varsovia, der Chopin-Universität für Musik, dem Polnischen Institut, Edition PWM, der Schwedischen Komponistengesellschaft und POLMIC.

Zeynep Gedizlioğlu wurde in der Türkei geboren und studierte Komposition unter anderem bei Wolfgang Rihm in Karlsruhe und Ivan Fedele in Straßburg sowie Musiktheorie bei Michael Reudenbach. Ihre Musik wurde auf führenden internationalen Festivals aufgeführt, darunter ECLAT Stuttgart, Wien Modern, Salzburger Festspiele, Musica Strasbourg, Beethovenfest Bonn, Wittener Tage für neue Kammermusik, musikprotokoll Graz, cresc… Biennale für aktuelle Musik Frankfurt, G((o))ng Tomorrow Kopenhagen, November Music ’s-Hertogenbosch und Ultraschall Berlin.

Zeynep arbeitete mit renommierten Orchestern und Ensembles zusammen, darunter das hr-Sinfonieorchester, das RSO Wien, das Borusan Istanbul Philharmonic Orchestra, das Bilkent Symphony Orchestra, das SWR Symphonieorchester, Klangforum Wien, Ensemble Modern, Ensemble Intercontemporain, 2e2m, ascolta, oenm, Ensemble PHACE, die Neuen Vocalsolisten Stuttgart, das Quatuor Diotima, das Scharoun Ensemble und das Arditti Quartet.

Ihr kompositorisches Schaffen wurde mit zahlreichen Preisen ausgezeichnet: 2012 erhielt sie den Kompositionspreis der Ernst von Siemens Musikstiftung, 2014 wurde sie beim Donizetti-Preis in Istanbul zur Komponistin des Jahres ernannt, 2018 erhielt sie den Heidelberger Künstlerinnenpreis, 2019 den Kompositionspreis der Akademie der Künste Berlin und 2022 den Deutschen Musikautor*innenpreis in der Kategorie Kammermusik.

Zeynep Gedizlioğlu lebt und arbeitet in Berlin.

Tarek Alali ist ein syrisch-deutscher Komponist und Gitarrist. Er absolvierte sein Studium der klassischen Gitarre an der Hochschule für Musik Saar, wo er derzeit Komposition bei Arnulf Herrmann studiert. Seine Musik ist stark von arabischen Musiktraditionen geprägt, insbesondere vom Maqam-System.

Seine Werke wurden von Ensembles wie dem Zafraan Ensemble, dem Trickster Orchestra und dem JugendEnsembleNeueMusik Rheinland-Pfalz/Saar (JENM) aufgeführt und bei internationalen Festivals präsentiert, darunter das Nürtinger Internationale Gitarrenfestival, das Festival für aktuelle Klangkunst „OPENING 25“ in Trier sowie Konzerte in den Vereinigten Staaten. Neben seiner kompositorischen Tätigkeit ist er weiterhin als Gitarrist aktiv.

Geboren 1980 in Valladolid, studierte Miguel Pérez Iñesta Klarinette, Klavier und Ballett in Asturien, bevor er nach Berlin zog, wo er sein Studium an der Hochschule für Musik Hanns Eisler sowie an der Karajan-Akademie der Berliner Philharmoniker abschloss. Als Gründungsmitglied und künstlerischer Leiter (2012–2017) des in Berlin ansässigen Zafraan Ensembles arbeitete Miguel mit einigen der bedeutendsten Komponist:innen unserer Zeit zusammen, darunter Helmut Lachenmann, Hèctor Parra, György Kurtág, Matthias Pintscher, Tristan Murail, Chaya Czernowin, Johannes Schöllhorn, Elena Mendoza, Sarah Nemtsov, Oscar Bianchi, Samir Odeh-Tamimi und Pierre Boulez.

Vertraut mit theatralischen, szenischen und opernhaften Kontexten und sich der Kraft des Klangs als poetisches Ausdrucksmittel bewusst, konzentriert sich Dirigent Miguel Pérez Iñesta in jüngster Zeit verstärkt auf die zeitgenössische Oper sowie das szenische sinfonische Konzert. Er arbeitete mit künstlerischen Partnern wie dem Tonhalle-Orchester Zürich, der Staatsphilharmonie Rheinland-Pfalz, der Kammerakademie Potsdam, dem WDR Sinfonieorchester Köln und dem Orchester der Opéra de Lyon.